El festival Ars Electrónica de este año llevaba como título “Una nueva economía cultural” y como subtítulo “Los límites de la propiedad intelectual” (la versión alemana era aún más explícita: “cuando la propiedad llega a sus límites”). En cualquier caso, estas ideas, que enmarcaron algunos seminarios y conferencias, conceden total protagonismo a dos de los temas más discutidos durante los últimos meses tanto en ámbitos culturales como en otros puramente monetarios. Por un lado, cuál es la mejor forma para defender los derechos de los creadores sin limitar la creatividad. Por otro, cómo debe ser la industria de la cultura para que dé los mayores beneficios sin convertir la cultura en un objeto de consumo -de lujo- más.

Thomas Macho, en su ponencia “La autopista que todos seguimos; robo: una historia exitosa aún en marcha” (“The Highroad which Everyone Follows. Theft: An Ongoing Sucess Story“), quiso aclarar que los derechos de propiedad intelectual se crearon no sólo para defender al autor económicamente, sino también artísticamente. Dicho de otra manera: de la industria, no del público. De hecho, abundan los ejemplos en la historia del arte y de la literatura en la que no podemos estar seguros de si las obras que nos han llegado son realmente las que crearon sus autores. Los más abundantes son quizás los de libros a partir del uso de la imprenta, existiendo obras con múltiples versiones con variaciones que dependían generalmente de los intereses del editor. Sin embargo, casos similares llegan prácticamente a nuestros días y el cine ha sido una de las víctimas más frecuentes. Al fin y al cabo, no hay nada más fácil que cortar algunas escenas… El propio Hitchcock, que después se afanaría por defender su autoría hasta donde la situación del momento le permitía (el famoso “Hitchcock presenta…” que introduce sus obras), relataba cómo un productor de la RKO mandó cortar tantas escenas de la película Suspicion (1941) que el metraje se quedó en 55 minutos y todo porque cronsideraba que daban a Cary Grant imagen de asesino.
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Johannes Gees trata directamente el problema de la interculturalidad y la mezcla de religiones en las nuevas sociedades europeas con la que fue sin duda la propuesta más ruidosa del Ars Electronica: su obra Salat. La idea surge en el marco del debate político y social en Suiza -que, como todos los debates en aquel país, tiene como desenlace un referendum- sobre la posible prohibición de los minaretes. Gees colocó sistemas como el que ves arriba en cinco torres de diferentes iglesias en Berna de modo que se activaran automáticamente y de forma sincronizada reproduciendo llamadas al rezo de almuecines. Es fácil imaginar por qué las ha bautizado con el nombre de “bombas sonoras” viendo el aspecto que tienen (la foto de arriba).

El efecto fue también parecido al de una bomba. Los peatones se pararon y la ciudad se quedó confundida al escuchar tan inesperadas llamadas. Tanto es así, que Gees fue sancionado “por romper la paz religiosa” según el artículo 265 de la ley Suiza.

En el vídeo del final de esta entrada puedes ver una segunda instalación (Salat #2) en la Kunsthaus de Zürich donde el artista quiso mezclar las mismas llamadas al rezo con las pinturas cristianas de los siglos XVI y XVII. Como dice el propio Gees, las llamadas de los almuecines pueden interpretarse -según quién lo haga- como llamadas religiosas, festivas o bélicas.

La ocurrencia de poner almuecines en torres cristianas me ha recordado un paseo por la ciudad holandesa de Tilburg. Al mostrar mi sorpresa al ver salir un grupo grande de jóvenes de una iglesia, mi acompañante -oriundo de allí- me explicó divertido que, como ya no hay público para llenarlas continuamente de feligreses, las iglesias se utilizan la mayor parte del tiempo para realizar actividades programadas por los consejos de cultura y juventud de los ayuntamientos. Si las religiones (o los religiosos) fueran la mitad de pacíficos y generosos de lo que proclaman ser, ¿sería una opción compartir espacios en lugares donde la demanda no es muy alta?

También quería resaltar el acierto del nombre, Salat, que significa ensalada en alemán y orar (صلاة) en árabe.

Vídeo:

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(Salat #1 fue realizado con la ayuda de Agent-Provocateur, en cuya página puedes encontrar vídeos con el making-of y el desarrollo de la instalación).

Uno de los temas en el que han coincidido varixs artistas en este Ars Electronica es el del acceso inalámbrico a internet o, más concretamente, el de las zonas en las que es posible conectarse a una de estas redes. Gordan Savicic nos propone una lectura interesante con su Ciudad restringida / el dolor de la vida diaria (Constraint city / the pain of everyday life). Savicic consigue convertir en algo físico unas restricciones que normalmente son invisibles e indoloras gracias al corset que ves al fondo de la imagen. Se trata de una prenda que incluye un detector de zonas inalámbricas (WIFI) y unos motores que encogen el corset cada vez que se detecta una zona inalámbrica a la que no se puede acceder públicamente. De este modo, la limitación real, pero imperceptible, del acceso restringido a internet se transforma en una limitación físicamente dolorosa. Cuanto más fuerte es la señal de la red inaccesible, más fuerte es también la reacción de los motores.

La obra de Gordan Savicic grita de una manera brutal algo que suele silenciarse: que gran parte de la escasez existente hoy en día es provocada artificialmente y que eso restringe dramáticamente nuestras libertades y nuestros potenciales. Ha realizado el experimento en distintas ciudades (Berlín, Viena, Gijón…) dando como producto, además de las marcas en su cuerpo, unos mapas con los nombres de las redes.

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Pegatina que me encontré sobre una farola en uno de mis peregrinajes del Lentos Museum a la Bruckner Haus, dos de los centros principales del Ars Electronica 2008.

Esta obra es gratuita; la puedes copiar, distribuir y modificar.

Se distribuye con la esperanza de que sirva para algo, pero sin garantía.

Sirva la pegatina de aperitivo al muy interesante tema de este año en las conferencias del festival: Una nueva economía cultural: Los límites de la propiedad intelectual. Prometo centrarme en ello en una próxima entrada. Mientras tanto, estoy pensando que quizá debería poner la pegatina como cabecera del blog…

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La obra Llamada <-> Respuesta (Call <-> Response) del grupo japonés tEnt, formado por Hiroya Tanaka y Macoto Cuhara, ha sido para mí una de las sorpresas más agradables del último Ars Electronica. Curiosamente y en relación con la problemática de separar arte e ingeniería, los autores definen este proyecto en términos puramente técnicos:

Llamada <-> Respuesta es un experimento entre especies en el que pájaros y ordenadores se enseñan mutuamente el lenguaje oral. Pretende ser una contribución al desarrollo de la inteligencia artificial.

Un programa informático simula variados gorjeos de pájaros (de teoréticamente posibles tipos de pájaros, incluyendo los que ya se han extinguido y otros que no han llegado a existir nunca) utilizando un software de modelado físico. Cada vez que el ordenador detecta una reacción de los pájaros a una de sus “llamadas”, el software ejecuta un programa de aprendizaje evolutivo a través del cual modifica y refina sus propios gorjeos.

Es interesante el planteamiento en el que no sólo el agente artificial (el ordenador) aprende del natural (el pájaro), sino que lo que se produce es una conversación en la que ambos se adaptan e imitan el uno al otro. Al mismo tiempo que la naturaleza limita y define las posibilidades del sistema informático, este último hace lo mismo con los seres vivos que lo rodean: la conversación se produce gracias a una adaptación bidireccional.

Como puedes ver en la imagen, los pájaros fueron sustituidos en el Ars Electronica por los ruidos que hacíamos lxs interesadxs que pasábamos por allí…

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Vídeo:

La obra Blue Remix del artista suizo Yann Marussich ha tenido un papel especial en este último Ars Electrónica. En el lado positivo, lo ha tenido por su dramatismo y su innovación formal, que le han valido uno de los premios del festival. En el negativo y en la línea de lo que ya he criticado del evento, los organizadores se las apañaron para convertir esta obra de arte en un auténtico circo. Colas enormes y la sensación de estar ante un freak de Tod Browning más que ante una performance me obligaron a salir poco menos que corriendo a pesar de que era evidente que la obra requería de una observación larga.

Como puedes ver en el vídeo que acompaña esta entrada, Marussich se sitúa tumbado en Blue Remix dentro de un recinto de cristal. Lo hace sin apenas mover un músculo y simplemente dejando que sus fluidos naturales (lágrimas, sudor y saliva) vayan apareciendo sobre su cuerpo. Lo hacen de color azul. Como él mismo explica, la desnaturalización a través del espacio y del color de lo que son en realidad sus propios fluidos nos invitan a un viaje diferente dentro de su cuerpo (y del nuestro a poco que nos identifiquemos) rompiendo así una barrera -en realidad inexistente- entre lo interior y lo exterior.

Yann Marussich lleva tiempo explorando el cuerpo humano con performances similares a esta. De hecho, los elementos principales (el color azul, su propio cuerpo, el estar encerrado) estaban ya en obras anteriores como Blue provisoire, Blessure o Morsure. El cuerpo, no como un elemento externo y decorativo, sino como una parte de nosotrxs a la que nos unen las conexiones más íntimas, me parece un tema de gran interés para el arte en un momento en que la sociedad nos invita más a torturarlo y disfrazarlo que a explorarlo sin límites ni miedos. A ver con qué nos sorprende Marussich en su próxima exploración…

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Voy a firmar mi vuelta después de pasar por el Ars Electronica 2008 (AE) resaltando algunas cosas que me parecen preocupantes de lo visto en esta exposición (y que creo sintomáticas en cierta forma de parte del mundo artístico actual). Sin embargo y antes de que alguien decida ponerme en la lista negra de los no acreditables para futuros festivales, debo señalar que también había cosas muy interesantes en Linz y espero que quede demostrado en próximas entradas.

El AE es uno de los festivales que mejores motivos dan para discutir sobre dónde están los límites del arte. La eterna discusión, que también sacude esta página de vez en cuando, de qué podemos denominar como obra artística parece haberse convertido en tema central de los festivales (ahora se me viene a la cabeza la polémica invitación a Ferrán Adriá en el último Documenta), pero es el AE con su innovación formal el que más nos obliga quizá a tomar posiciones.

De hecho, hasta el subtítulo del AE tiene su truco. Este reza: “Arte, electrónica y sociedad”. ¿Los tres conceptos aparecen separados en la exposición? No hay ninguna delimitación espacial que invite a esa interpretación. ¿Se deben buscar juntos entonces en cada obra expuesta? A juzgar por las obras, tampoco parece que sea esa la opción más adecuada. Yo personalmente me he quedado con la duda de cuál es la auténtica intención de lxs organizadorxs.

Desde mi punto de vista, la mayoría de las obras expuestas este año en el festival -que se publicita como artístico- son pura ingeniera. Hay excepciones (que son las que iré rescatando en otras entradas), pero tan minoritarias que se podrían contar con los dedos de una mano en un festival que ocupa prácticamente media ciudad y que dura una semana. El ejemplo más claro de lo que comento es la aportación de la institución invitada de honor de este año, la Universidad de Tokyo. Los trabajos de sus estudiantes no deslucieron entre el resto de propuestas puesto que en ambos casos unx tenía la misma sensación de estar ante proyectos de fin de carrera de futuros ingenieros. Siguiendo lo que parece ser la moda del momento, los estudiantes japoneses mostraron cómo se puede jugar con la mezcla de imágenes, sonidos e instalaciones gracias a las tecnologías actuales, sin menospreciar comparativamente los juegos de magia en los que uno mueve un muñeco y se abre una puerta (y viceversa).

No todo es negativo, no obstante, en un planteamiento que lo que sí nos enseña es que las posibilidades técnicas a disposición del arte son ahora muy distintas a las que había hace diez años. El AE es, por ello, una visita muy recomendable para artistas y profesorxs de arte. Esto nos incumbe especialmente a los interesados en el arte de compromiso social. Tengo la sensación de que las formas tradicionales (lienzos, pianos, arcillas…) alejan el arte de un público que hoy en día está más acostumbrado a estímulos menos planos y más multimodales y estridentes. Nos espera un futuro muy excitante a poco que algunxs de lxs artistas presentes en el AE decidan preocuparse un poco menos en la originalidad tecnológica y mucho más en expresar algo con sus creaciones.

Como conclusión general para el Ars Electronica 2008, creo que el festival más antiguo de arte y electrónica -que cumplirá 30 años en su próxima edición- tiene un grave problema de comisariado en lo que a sus exposiciones se refiere. Yo agradecería que elevaran la calidad aunque eso signifique sacrificar la cantidad apabullante que les caracteriza. No le veo sentido a llenar la ciudad de vacíos.

(Mención aparte merece el festival de animaciones digitales que, con la excepción de alguna incomprensible intromisión -como el making of de Spider man 3- y de algún anuncio, ha estado plagado de auténticas joyas).
(La foto fue tomada por lichtfaktor dentro del taller de escritura con luces.)

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